Texto do catálogo da exposição coletiva Des-Retratos, 2009

Por Rosângela Cherem

O conjunto de artistas que aqui comparece aparentemente não apresenta unidade poética e nem afinidade de fatura. Contudo é interessante observar alguns elementos comuns que lhes permitem compartilhar um mesmo espaço expositivo. Em primeiro lugar, cada um à sua maneira, evitam o fetiche da arte contemporânea como última novidade, seja ignorando as celebrações deslumbradas do suporte, seja desviando de um sentimento enlutado em relação ao tempo em que vivem. Longe de (re-) apresentar o mundo ou denunciar-revelar a realidade, refazendo-a pelos fios da beleza e da felicidade,  problematizam aquilo que é um dos elementos mais caros de nosso tempo: a imagem. Fazem isto concebendo a obra como um mundo singular, configurado como bloco de afecções e percepções muito particulares que opera como máquina disfuncionada, colocando o pensamento para sentir e a sensibilidade para pensar.

Ponto de partida ou de chegada, meio ou fim, em algum momento de seu processo, todos recorrem à fotografia. Mas recusando o caráter de registro meramente informativo ou documental que reduz a imagem a uma simples figuração ou veículo de comunicação, trata-se da fotografia como parte constitutiva do pensamento plástico, que interroga suas possibilidades num mundo cada vez mais reconhecido pela sua condição cambiante e virtual, num tempo em que tudo parece existir para e através da tela, quando o banal se configura como espetáculo e o espetacular se banaliza em proporções anteriormente inimaginadas.

Preferindo abordar não o olho que fisga a imagem, mas a imagem que fisga o olho, processam e lapidam a matéria onírica, reduplicando as semelhanças coaguladas em novas materialidades, sendo que ao fazer, desfazer e refazer, o vestígio se torna forma modificada e a contra-forma produz nova forma. Assim, a criação imagética projeta as potências que perturbam aquilo que antes era sono e silêncio. Atraídos pelas forças que cintilam à distância e produzem o esquecimento de si, são lançados em direção a um fora que é anterior à decodificação visual, território de estranhamentos e surpresas arrebatadoras, onde aguarda a fenda intransponível que existe entre dizer e ver.

GABRIELA CAETANO apresenta um backlight reconhecido pelo anteparo de um véu e que remete aos galhos calcinados de uma árvore destacada pela luz dourada de um dia que não começa e uma noite que nunca chega. Imagem que lembra o silêncio profundo e misterioso de um retábulo, se um fundo amarelo de painel gótico lembra um além-tela onde tudo parece permanecer imutável, do seu aquém um espectador constata a armadilha que afunda o olho naquilo que é visto, suspeitando que algo  lhe escapa.

Sob a forma de sombras ou esqueletos, situa-se um jogo entre a transparência e o inapreensível que afirma a contemplação como uma espécie de exercício de supressão de mundo, silêncio e vazio, ou seja presença de uma aparição. Se o uso da fotografia, como as formas de galhos, são uma constante nos procedimentos desta jovem artista, ocorre um distanciamento da relação cópia-original para problematizar aquilo que vive naquilo que se transforma, sendo que o que se define como imagem é justamente o que persiste quando tudo se ausenta ou acaba, dando prosseguimento ao eterno movimento de distância e proximidade, superfície e profundidade, busca e deriva. Assim sua instalação problematiza uma devolução impossível e assinala a tentativa proliferante daquele que sabe que jamais poderá reparar o perdido. Marca da marca, fica o registro fotográfico como um índice.

Outra questão que esta caixa de luz permite considerar é uma história da arte que problematiza a imagem como desejo de alcançar um fundo, reconhecido no renascimento pelo sfumatto e pela presença das nuvens ou no barroco pela recorrência de panejamentos e espelhos, mas que sempre acaba detido pela impossibilidade de sua materialização. Sendo assim, a lição de da Vinci acerca da ventana della anima e a busca daquilo que cintila no fundo do olho e que dorme no âmago de todas as coisas nada mais é do que um tipo de delírio, posto que o olho é por natureza um órgão que sempre se equivoca, mas também e enquanto isso, imagina e cria. Em seu caráter ilusório de aproximação objetiva do mundo, a arte se apresenta como um oxímoro: jamais pode ser aquilo que afirma, por isto sempre acaba negando aquilo que promete, única estratégia possível para situar-se no mundo e que atravessa sempre o campo do outro.

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